• ↓
  • ↑
  • ⇑
 
Записи с темой: искусство японии (список заголовков)
20:50 

Рисуем бамбук

Легендой окружено возникновение монохромной живописи бамбука тушью. Возникновение ее объясняется случайностью: одна придворная знатная дама в лунную ночь увидела тень от бамбука на створке окна. Она была поражена тем, что тень выражала сущность бамбука в большей степени, чем, живой, зеленый бамбук. Так появилось якобы на свет это оригинальное искусство, получившее широкое распространение на Востоке.



«Лишённый мяса человек худеет, лишённый бамбука – становится пошлым».

В японском и китайском искусстве, столь богатом символикой, бамбук считался олицетворением моральной чистоты и справедливости, несгибаемости духа и высокой нравственности. В известной притче о самом Конфуции рассказывается, что когда Учитель находился в Цичжоу, где произрастало много бамбука, его настолько привлекли и заворожили мелодии шелестов и шорохов листвы бамбука, что он совсем забыл про еду и в течении трёх месяцев не вспоминал о мясе. Именно тогда он, обращаясь к своему ученику, произнёс свой знаменитый афоризм: «Лишённый мяса человек худеет, лишённый бамбука – становится пошлым».

@темы: Искусство Японии

00:43 

Японская каллиграфия



Эстетика японской каллиграфии:
кисти, тушь, рисовая бумага, настроение...



Каллиграфия (сёдо: "путь письма") - самый распространенный вид искусства на Востоке.
Этот - столь изощренный вид письменности появился в Древнем Китае. В средневековом Китае выдающиеся каллиграфические способности были неотъемлемым средством для достижения наивысшей карьеры, прекрасный почерк был одним из самых основных и самых высоких требований, предъявляемых на государственных экзаменах. Поэтому те, кто проходили императорские дворцовые экзамены, обязательно должны были в совершенстве владеть невообразимо сложным искусством каллиграфии.

«Путь каллиграфии» (Сёдо) из Китая далее был продолжен в Японию. «В китайской каллиграфии главное — это энергия, внутренняя сила кисти... Ведущую роль играет здесь чуткое осязание кистью бумаги... В японской же каллиграфии решающее значение имеет внешняя сила кисти-мазка, в ее языке главное — не осязание, не проникновение, а жест, танец».

В отличие от функциональной и практичной европейской письменности, иероглифы японского языка, помимо информационной, выполняют огромное количество других задач. Несколькими движениями кисти опытный мастер-каллиграф может зафиксировать мимолетное настроение, зарифмовать промелькнувшее в просветленном сознании четверостишье и в одно мгновенье создать художественный объект, достойный углубленного созерцания многими поколениями...

''Четыре драгоценности кабинета''
Так в Древнем Китае почтительно называли четыре основных "инструмента" мастера каллиграфии. Мастера уделяли большое внимание выбору и бережному использованию этих предметов. Это: 1. Кисть. 2. Чернильница. 3. Тушь. 4. Бумага для каллиграфии.
Мастера каллиграфии современной Японии, где это древнее искусство обрело новое дыхание, используют следующие шесть предметов:

Ситадзики: чёрная, мягкая циновка.

Бунтин: металл для прижатия бумаги во время письма.

Ханси: специальная, тонкая бумага для письма, которую традиционно изготавливают из рисовой соломы. Обычно это Васи - традиционная японская бумага ручного изготовления.

Фудэ: кисть. Существует большая кисть для письма больших символов и маленькая - для написания имени художника.

Судзури: тяжелый, черный сосуд для чернил.

Суми: "тушь для письма" - твёрдый черный материал, в который втирается вода для производства чернил, куда затем макают кисть.

Овладение каллиграфии включает в себя: 1) изучение основных навыков письма в разной стилистической манере; 2) историю каллиграфии и теорию иероглифики; 3) знакомство с традиционной японской культурой и языком через каллиграфию.

Стили написания иероглифов
Существует три различных стиля написания иероглифов:



Кайсё - "устав" - когда одна линия пишется за другой. После завершения написании линии кисть обязательно отрывают от поверхности бумаги. Линии прописывают четко, уверенно. Иероглифы выходят угловатыми, квадратными по форме. Этот стиль внешне напоминает знаки азбуки "катакана", в повседневной жизни используется достаточно редко, он в наибольшей степени по своему начертанию соответствует типографским знакам, которыми в Японии печатаются книги и газеты.



Гёсё - "полукурсив" - более быстрое написание. Линии более плавные, закругленные, приближающиеся к стилю начертания знаков азбуки "хирагана".



Сосё - "курсив" - быстрое, стремительное написание (в несколько движений), при котором линии письма менее чёткие и кисть практически не отрывают от бумаги в процессе письма.

Концепции всех каллиграфических стилей Японии строились на представлении о том, что написанный текст должен доставлять эстетическое наслаждение. Зрительное восприятие текста по значению не уступало зрительному восприятию картины и играло важную роль в смысловом восприятии того же текста. Отсюда и получил громадное распространение культ каллиграфии.

Из стремления соединить стиль начертания слов с их смыслом возникли и существовали на протяжении многих столетий четко отработанные и освященные традицией приемы графической стилистики. Их предназначение - усиливать эмоциональное воздействие на читателя продуманным соответствием каллиграфического почерка смысловому и литературно-стилевому содержанию написанного текста. Существо же заключалось в том, что произведения определённого литературного стиля или научного содержания записывались определённым каллиграфическим почерком:

исторические трактаты - уставом,

стихотворные сборники - тонкой, вытянутой в длину строкой скорописи,

пьесы дзёрури - причудливо закрученной, плотной скорописью, растянутой в ширину и "приплюснутой" по вертикали.

Главное, что надо усвоить, - это то, что все иероглифы, в том числе и самые сложные из них, состоят из набора совершенно определенных элементов. Число этих элементов не так уж и велико. При этом каждый из них, в свою очередь, состоит из первичных составляющих - черт. Далее, существует строгая последовательность написания элементов из черт и иероглифов из элементов.

В результате усвоения этих правил написания любой незнакомый иероглиф уже не покажется хаотическим нагромождением черт и линий. Его структура сразу станет понятной, а последовательность написания вполне очевидной.

Каллиграфия - наука, основанная на традициях, в ней не происходит изменений (уж во всяком случае - правил написания иероглифов). Японская письменность, поскольку она оперирует при помощи китайских иероглифов и японских силлабических азбук "катакана" и "хирагана", всецело основывается на правилах, принятых китайскими каллиграфами, хотя и не лишённых чисто японской обработки и дальнейшего развития.

Древние и современные мастера каллиграфии
Дальневосточная каллиграфия - не просто своеобразная система письменности, это один из ведущих видов искусства, обладающий глубоким философским смыслом.

Иероглифы представляют собой идеограммы, то есть обозначают целые понятия. Такая форма фиксации информации оказала значительное влияние на характер мышления людей, способствовала формированию структурно-образного восприятия.

В Японии каллиграфическое письмо появилось в VII в. Японские каллиграфы довольно быстро догнали своих учителей и добились немалых успехов. На базе китайских стилей японцы создали несколько новых, отличающихся гораздо большей простотой, эмоциональностью.

История японской каллиграфии начала свой отсчет примерно с V века н.э., когда в островную страну стали проникать с континента первые образцы китайского иероглифического письма. Заимствование китайской письменности было впрямую связано с распространением буддизма. Постепенно японцы стали приспосабливать заимствованные иероглифы для записей на родном языке. Первыми мастерами каллиграфии в Японии стали монах Кукай (774–834 г.), император Сага (786-842 г.) и придворный Татибана-но Хаянари (ум. в 842), тщательно придерживавшиеся китайской манеры письма. Этих прославленных каллиграфов стали именовать Сампицу — Три (лучшие) кисти. Постепенно японские мастера отходили от навязанных с континента стилей письма, вкладывая в каллиграфию все больше творческих элементов. На смену Трем кистям пришли талантливые ученики. Лучшие из них Оно-но Тофу (894-966), Фудзивара-но Сукэмаса (944-998) и Фудзивара-но Юкинари (972-1028) — приобрели известность под коллективным именем Сансэки — Три следа (кисти). Прибывшие из Китая монахи Эйсай (1141-1215) и Догэн (1200-1253) познакомили японцев с китайским стилем Сонг (северной и южной его вариациями). Эта манера письма дзэнских монахов сохранилась в истории под названием бокусэки (следы туши).

Одним из выдающихся людей своего времени был Фудзивара -но Ёсицунэ (1169-1206) - поэт и каллиграф, который оставил выдающийся след в истории Японии.

Ёсицунэ получил прекрасное образование, с детства сочинял стихи, изучал китайскую философию и литературу, достиг совершенства в каллиграфии. С 11 лет начал прислуживать при дворе. Ёсицунэ был инициатором многих поэтических состязаний, в которых участвовал и сам наравне с самыми знаменитыми поэтами своего времени. Его роль в обновлении поэзии чрезвычайно велика: хотя непосредственно он не принадлежал к числу составителей "Синкокин(вака)сю", но всегда оказывал им покровительство. После него осталось около 320 пятистиший, разбросанных по разным антологиям, сохранились и его китайские стихи, а также часть написанного им дневника. Ёсицунэ создал свой стиль каллиграфического искусства, который называется гокёгокурю.

Реформатором эстетических принципов выступил Сэн-но Рикю (1522-1591) - мастер чайной церемонии, создатель ритуала ваби-тя, предписания которого остаются в силе по сей день.

Рикю уменьшил до трех и даже двух татами размер чайного домика (тясицу), - места где проводилась чайная церемония и которое традиционно украшалось какэмоно - произведением живописи и каллиграфии, свел к минимуму украшения в помещении и число принадлежностей, используемых в церемонии, сделал более простым и строгим весь характер ритуала.

Изменился и характер оформления ниши токонома - визуального эстетического центра чайного домика. Вместо прежних свитков с китайской живописью и каллиграфией в стиле кайсё для их украшения начали использовать свитки с японской живописью и поэзией, выполненной в стиле гёсё и сосё. Иначе стали использоваться цветочные композиции, помещаемые в токонома под живописные и каллиграфические свитки. В маленьких, скромных тясицу, введенных Рикю, пышные украшения были неуместны и по размерам, и по характеру.



Токонома с каллиграфическим свитком какэмоно в чайном домике Сэн-но Рикю

В Эпоху Эдо (1600-1868) появились такие декоративные стили, как кабуки-модзи и дзёрури-модзи, использовавшиеся для афиш и программ театров Кабуки и Дзёрури.

Искусство каллиграфии, в котором так важны психофизические аспекты творческого процесса, связанные с духовной и физической подготовленностью художника, с требованием максимальной сосредоточенности, спонтанностью исполнения, испытало большое воздействие эстетики и практики дзэн-буддизма.



Рюсэки Моримото. Иероглиф «До» (путь, Дао)

Каллиграфия в дзэн является и средством медитации, и путем познания, своего рода учебным пособием, и духовным завещанием мастера, в каждом случае - это образец высшей искренности и самоотдачи, гармоничной экспрессии и безыскусности. Не случайно термин "бокусэки" ("след туши"), как называли в Японии каллиграфию, с XV в. использовали преимущественно по отношению к дзэнскому направлению.

Восприятие каллиграфии требует определенного уровня интеллектуальной и духовной культуры, ведь нужно не просто понять написанное, чрезвычайно важно увидеть и почувствовать, как написано.



Рюсэки Моримото. Иероглиф «Аи» (любовь)

Современная японская каллиграфия сохраняет многовековые традиции и на их основе создает и развивает новые направления. В 1948 г. была создана Ассоциация мастеров современной каллиграфии, которая и по сей день является одним из ведущих объединений в этой области. Ежегодно данная организация устраивает выставки в трех вариантах: на одной демонстрируются копии старинных образцов, другая представляет работы современных мастеров широкого круга, на третьей осуществляется показ произведений каллиграфов высшего класса.



Рюсэки Моримото. Иероглиф «Раку» (радость) на бордовом фоне с золотыми блестками

В 21 веке в Японии под влиянием извне, а также внутренних японских культурных инноваций все чаще в каллиграфию начинают проникать авангардистские приемы, абстрактные и декоративные мотивы, трансформирующие традиционные представления и эстетические стереотипы восприятия этого традиционно японского вида изобразительного искусства.



Рюсэки Моримото. Иероглиф «Кокоро» (душа, сердце) на желтом фоне

Ветры перемен, веющие сегодня над Японией, не проходят мимо и этой области японской культуры. Все чаще каллиграфические произведения, способные вместить массу оттенков настроения: восхищение, грусть, счастье, блаженство..., начинают использоваться как современный элемент дизайна интерьера, стилизующийся под запросы и требования нового времени, удовлетворяющие самые изысканные вкусы искателей современной экстремальной эстетики, находящихся далеко за пределами Японии.
japanese-page.kiev.ua/rus/hobby-shodo.htm

shakuhachi-ru.com/forum/index.php

@темы: Искусство Японии

22:29 

Японская каллиграфия

soytuaire.labuat.com/



"Выражая себя, цветок источает своё неповторимое благоухание.
Каллиграфия – цветок души человека."
Ханда Сюко, поэтесса

Иероглифы представляют собой идеограммы, т. е. обозначают целые понятия — ветер, цветок, рождаться, идти и др. Такая форма письма оказала большое влияние на характер мышления людей, способствовала формированию структурно-образного восприятия.

Искусство каллиграфии, в котором так важны психофизические аспекты творческого процесса, связанные с духовной и физической подготовленностью художника, с требованием максимальной сосредоточенности, спонтанностью исполнения, испытало большое воздействие эстетики и практики дзэн-буддизма.

Каллиграфия в дзэн является и средством медитации, и путем познания, своего рода учебным пособием, и духовным завещанием мастера, в каждом случае - это образец высшей искренности и самоотдачи, гармоничной экспрессии и безыскусности. Не случайно термин "бокусэки" ("след туши"), как называли в Японии каллиграфию, с XV в. использовали преимущественно по отношению к дзэнскому направлению.

Восприятие каллиграфии требует определенного уровня интеллектуальной и духовной культуры, ведь нужно не просто понять написанное, чрезвычайно важно увидеть и почувствовать, как написано.



"Каллиграфия — музыка для глаз". И действительно, каллиграфия строится на основе ритмической гармонии штрихов и точек, которая в сочетании с полем фона создаёт некие силовые вибрации, передающие бесконечную гамму человеческих мыслей, чувств, настроений.

shakuhachi-ru.com/forum/index.php

@темы: Искусство Японии

00:12 

Икэбана

www.youryoga.org/tests/test38.htm



Икэбана (так по-японски называют аранжировку цветов) ведёт своё начало со времён распространения буддизма в Японии. В 6 веке в буддийских храмах по обеим сторонам алтаря стали появляться необычные букеты. Огромные негнущиеся ветки, гармонирующие с величественной обстановкой храма и названные "рикка" (что означает "стоящие цветы"), возвышались над узорчатыми бронзовыми сосудами, завезёнными из Китая. Кончики ветвей, а также цветы устремлялись в небо, как бы взывая к богам. Постепенно букеты рикка стали делать более низкими, и они продолжали быть господствующей формой аранжировки в храмах и дворцах вплоть доконца 12 века. В 15 веке появилась новая форма аранжировки. В этот период в национальных японских домиках была введена токонома. Сюда стали ставить букеты более простых композиций. В 16 веке, когда в обиход японцев начали входить чайные церемонии, сложилась новая форма аранжировки-нагэирэ, согласно правилам которой цветы расставляются в вазе в "естественном виде" (т.е. стебельки каждого цветка должны стоять самостоятельно, ничто не должно заслонять их, при этом допускается подрезание листьев, стеблей и даже цветов).

В основе японской аранжировки цветов лежат три линии, символизирующие Небо, Человека и Землю. Главная линия -это стебель, обозначающий Небо, часто называемый первичным, или син. Именно этот стебель образует основу букета, поэтому он должен быть достаточно прочным. Рядом с ним помещается второй стебель -символ Человека, называемый соэ. Он помещается таким образом, чтобы создать впечатление роста в сторону. Соэ должен быть равным двум третям высоты син и наклонён в ту же сторону. Третий стебель -тай, символизирующий Землю, самый короткий. Его помещают спереди или немного сдвигают в сторону, противопо- ложную той, куда наклоняются два первых стебля. Его высота составляет примерно две трети от высоты соэ. Все стебли закрепляются в кэндзане -тяжёлой металлической подставке с игольчатыми стержнями. К букету можно добавлять различную зелень, стебли трав, цветов и ветки. Размер композиции целиком зависит от диаметра и глубины вазы.

В Японии имеются различные школы составления букетов, но тем не менее главные правила искусства, выросшие на основе дзэн-буддизма, явля- ются общими для всех школ.

Поскольку доктрина дзэн сосредотачивает внимание на единичном, то в икэбана подчёркивается уникальность каждого цветка. "Один цветок лучше, чем сто, передаёт великолепие цветка," -говорил Ясунари Кавабата.

Существует притча о мастере чайной церемонии Рикю (настоящее имя Сэнно Соэки), сад которого славился на всю Японию цветами повилики. Взглянуть на них решил даже сам сёгун (правитель) Хидеёси. Придя, однако, в назначенное утро в сад, он с удивлением обнаружил, что все цветы срезаны. Уже начавший гневаться, правитель вошёл в комнату для чайной церемонии и тут увидел икэбана из одного-единственного стебля повилики. Рикю принёс в жертву все цветы своего сада, чтобы подчеркнуть их красоту в одном, самом лучшем.

Японское слово "икэбана" образовано двумя иероглифами: "икэ", что означает "жизнь", и "хана" - "цветок". Их сочетание обычно переводится как "цветы, которые живут" или "живые цветы". Из всех искусств икэбана ближе всего к скульптуре, но только материал для ваяния здесь живой - цветы, травы и ветви. Выражение "икэбана" можно перевести как "помочь цветам проявить себя".

Цель икэбана -выражать красоту природы, создавая композиции из цветов, керамики и других предметов. Но икэбана -это не только украша- тельство, не только один из декоративных приёмов. Это и средство самовыражения. Подлинного мастера икэбана не может удовлетворить лишь внешняя красота цветов. Он стремится заставить их заговорить на понятном людям языке.

Даже беглый обзор основных концепций аранжировки показывает, что ведущими принципами здесь выступают простота, асимметрия и кажущаяся незавершённость. Сами букеты вызывают ощущение спонтанности, самопроизвольности, непосредственности.

Икэбана -это порождение японского образа жизни. Этот вид искусства создан нацией, которая веками воспитывала в себе умение обращаться к природе как к неисчерпаемой сокровищнице прекрасного. Искусство икэбана горячо любимо японским народом за его общедоступность, за то, что оно помогает человеку даже в бедности чувствовать себя духовно богатым.

shakuhachi-ru.com/forum/index.php

@темы: Искусство Японии

22:41 

Чайная церемония



Чайная церемония (по-японски тяною) относится к наиболее самобытным, уникальным искусствам. Она играет существенную роль в духовной и общественной жизни японского народа на протяжении нескольких веков. Как светское действо чайная церемония появилась в 15 веке, затем в конце 15 века была реорганизована знаменитым "тядзином" (мастером чая) монахом Рикю. Существовало понятие "тядо" (путь чая) -путь чистоты и утончённости, достижения гармонического единства с окружающим миром через ритуал чайной церемонии. Чайная церемония происходила в небольшом чайном домике, стоявшем где-нибудь в глубине сада, который тоже был художественным явлением и создавался по своим особым законам. Дорожка из камней неправильной формы, положенных среди мхов, приводила к источнику воды, где совершалось омовение рук, затем после выбора главного гостя, входили через очень низкую дверь в чайный домик. В чайной церемонии участвовало не больше пяти человек, приглашались люди, близкие по духу. Беседа велась о поэзии, философии. Три темы -деньги, болезни, политика -были запретны. Сама обстановка внутри чайного домика, в котором даже днём царил полумрак, распологала к такой беседе. Комната для чайной церемонии оформляется с изысканной простотой, воплощающей в себе классическое японское представление о прекрасном. Чаши и посуда для приготовления чая, свиток живописи в нише, беседа на поэтическую или философскую тему -всё это должно было вызывать состояние гармонии и покоя, помочь человеку приблизиться к окружающей природе, раствориться в ней. Все предметы для чайной церемонии (а их должно было быть 24), кроме своего непосредственного назначения, были объектами созерцания. На каждом предмете лежит печать времени. Есть только два исключения -белоснежный льняной платок и ковш, сделанный из спиленного куска бамбука, которые бывают подчёркнуто свежими и новыми.

Чай заваривается особый -зелёный в порошке. Кипячение воды в классическом тясицу (чайном домике) осуществляется на угольях из сакуры. Заварка взбалтывается в чашке бамбуковой кистью. В 16 веке появилось до сотни различных правил чайной церемонии, которые относятся к аранжировке цветов в чайном домике, кипячению воды, заварке, разливу чая и т.д. Все правила имеют целью вызывать чувство естественности или ощущение искусства тяною без искусственности. Смысл чайной церемонии, говорят, раскрывается в известном изречении Рикю: "Тяною -это поклонение красоте в сером свете будней".

Строго определёнными движениями, их красотой и размеренностью чайная церемония создаёт покой души, приводит её в то состояние, при котором она особенно чутко отзывается на вездесущую красоту природы.

Чайная церемония прочно вплелась в жизнь и быт Японии, однако, в наше время произошло разделение процедуры на "настоящую" и "облегчённую". В "настоящей" строго соблюдаются все традиционные условия. "Облегчённая" церемония часто проводится в обычных помещениях, в комнатах даже ставятся столы и стулья. При этом, конечно, процесс чаепития, формально оставаясь неизменным, как-то упрощается. Тем не менее разработанный дзэн-буддистами культ ревниво охраняется, отступление от традиционной процедуры считается в Японии нежелательным.

Японцы считают, что чайная церемония воспитывает простоту, естественность, опрятность. Приобщая людей к точно установленному ритуалу, она приучает их к строгому порядку и безусловному исполнению социальных правил. Чайная церемония является одной из основ культивирования национальных чувств.

Влияние чайной церемонии сказывается во многих областях японской культуры. Порождением чайной церемонии явилось и искусство икэбана. Японская керамика никогда бы не достигла таких вершин, если бы не этот ритуал.

В керамике для чайной церемонии больше всего сказалось одно из основных качеств прикладного искусства Японии -"ваби-саби" (красота простого, обыденного). Основные черты японской керамики -естественность, первозданность материала и кажущаяся случайность, неяркость окраски. Каждая чаша уникальна, не повторяется ни по форме, ни по декору. Уникальная керамика мастерских Раку, Мисимо, Бидзэн выполнена в 16 -17 веках. Интересен декор на чашах, например, на знаменитой чёрной чаше 16 века изображены бабочки и два иероглифа, выполненные с лёгкой небрежностью, как бы случайно; серая чаша имеет тончайший растительный орнамент, выполненный золотом так, как будто на большей её части он стёрся от времени.

Керамика для икэбаны тесно связана с эстетикой и философией чайной церемонии, была её частью, поэтому к ней предъявлялись такие же требования, как к остальной утвари. Серая ваза неправильной, асимметричной формы с потёками тёмно-серой глазури как нельзя лучше могла "заставить заговорить цветы". Форма керамики для икэбаны чрезвычайно разнообразна и соответствует множеству правил аранжировки цветов, сложившихся в течение последних пяти столетий.

Японцы считают, что роль художника состоит не в том, чтобы силой навязывать материалу свой замысел, а в том, чтобы помочь материалу заговорить и на языке этого ожившего материала выразить свои собственные чувства.

Современная японская керамика восходит к традициям старых мастеров и подтверждает, что в японском икусстве принцип "ваби-саби" живёт и в наши дни.

"Не сотвори, а найди и открой" -этому общему девизу японского искусства следуют как старинные изделия из бронзы и цветных сплавов, так и современные изделия из металла.
shakuhachi-ru.com/forum/showthread.php?t=661

shakuhachi-ru.com/forum/index.php

@темы: Искусство Японии

21:17 

Суйсеки




Вместе с искусством бонсай - культурой выращивания карликовых деревьев - Япония получила из Китая другое диво: суйсэки - искусство любования камнями.

В суйсэки (суй - вода, сэки - камень ) сошлись две стихии: вечно подвижная, живая, текучая вода, обладающая здесь творческой силой ян, и неподвижный, затаённый, как будто "спящий" навеки камень - инь. Суйсэки есть союз двух этих элементов, их вечное объятие, взаимопроникновение, тысячелетнее взаимовлияние, обтачивание и размывание. Холодный неподвижный камень хранит память о вулканической катастрофе, которой он обязан своим рождением. Складки, морщины и трещины есть воспоминание о том времени, когда камень был жидкой, искрящейся лавой, в которой горела сила ян. Эта рябь, это неподвижное волнение навеки впечатаны в него. И подобно тому, как любят в Японии случайные наплывы и размывы глазури на керамике, точно так же ценится и титанический труд природы, создавшей причудливые камни: то обточенные временем и изъеденные водой, то обкатанные речной галькой, со стёртыми гранями, - гладкие, круглые, спокойные, а то и шершавые, ребристые, с уступами, острыми пиками, пещерами и сквозными отверстиями...

Изначально искусство любования камнями было предназначено для узкого круга лиц — императора и его придворных, способных оценить тончайшие нюансы прекрасного. Одним из заядлых суйсэкистов (если допустим такой термин) стал император Го-Дайго (1288–1339). С ростом торговых обменов с Китаем с материка в Японию стали проникать идеи дзэн-буддизма, горячо воспринятые самурайским сословием. Искусство суйсэки очень четко отразило каноны новой религии — простоту, граничащую с аскетизмом, медитацию и интуитивное прозрение. Под влиянием буддийских монахов любование камнями, отыскивание в них скрытого смысла стало методом духовного самосовершенствования. Так суйсэки вошло в жизнь сотен тысяч самурайских семей.

Конечно, камнем можно любоваться, держа его в руках, согревая его теплом ладоней и ощущая скрытую в нем энергетику. Но гораздо чаще суйсэки выставляют в токонома — комнатной нише красоты. При этом правилами предусмотрены два варианта обустройства: расположение камней на подносе, засыпанном слоем песка (суйбан), или на деревянной подставке (дайдза). Выбор зависит от характеристики камня. «Горы», «плоскогорья», «водопады» отлично дополняются песчаной подушкой, как бы вырастая из нее. А для самодостаточных камней-предметов, например, подобий фигурок людей или животных, лучше подходит твердая лакированная поверхность.
www.bonsai.ru/articles/suiseki.html
ec-dejavu.ru/b/Bonsai.html

@темы: Искусство Японии

15:31 

Бонсай



Искусство бонсай (два иероглифа - контейнер и растение), как таковое, зародилось в Китае. Когда, не знает никто, но история его насчитывает не менее двух тысяч лет.

И вот, около тысячи лет назад бонсай попал в Японию. Как и многие другие заимствования, японцы довели искусство бонсай до совершенства. И сегодня слово бонсай вызывает ассоциацию с Японией. Именно японцы разработали систему канонов, которая включает в себя, как требования к облику самого растения, так и к сочетанию его с аксессуарами и правила экспозиции. Бонсай очень часто выступает как один из аксессуаров чайной церемонии, также завезённой из Китая и развитой до уровня уже не гастрономии а скорее философии.


К восемнадцатому столетию, в Японии техника выращивания деревьев в контейнерах развилась в очень утончённую форму искусства. Отличие его от всех прочих видов изобразительного искусства заключается в той чарующей особенности, что бонсай, в принципе, никогда не бывает завершён. Он рождается, развивается и уходит, как и всё живое. Всё живое особенно радует наш глаз и умиляет в самом начале жизненного пути - в молодости. Старость, зачастую, увы, не очень благовидна. Но не у деревьев. Чем древнее дерево, чем более оставили на нем свой след перенесённые невзгоды, тем приятнее и интереснее оно нашему взору. Это относится в полной мере и к бонсай. И не столько сам возраст, сколько время, проведённое с ним многих поколений людей и материализованное в, почти не встречающемся в природе, изяществе особенно ценится в бонсай.
В предельно гармоничном бонсай мы можем наблюдать одновременно все три периода жизни - юность, зрелость и старость. Юность олицетворяется свежей, молодой листвой, зрелость - цветами и плодами, а старость - стволом, мощным, с грубой корой, часто расколотым, с дуплами.


Каноническая экспозиция бонсай предусматривает его размещение в специальной нише токонома, на столике. Кроме этого, практически всегда присутствует соответствующий свиток с картиной или каллиграфической надписью. Часто рядом помещается маленький акцентирующий бонсай - травка, иной бонсай, гораздо меньшего размера, как правило подчёркивающий сезон. Иногда рядом с бонсай стоит суйсеки - уже упоминавшийся камень.


Искусство суйсэки (два иероглифа, суй-вода и сэки-камень) довольно тесно примыкает к бонсай и предельно абстрактно и лаконично представляет горный ландшафт обязательно с водой в виде потока, озера или объемлющего водного пространства.
www.bonsai.ru/articles/istoki.html

@темы: Искусство Японии

18:52 

Японская живопись Суми-ё



Суйбокуга (или как его ещё называют суми-э, суми-е) – японская живопись тушью. Изначально китайский стиль был заимствован японскими художниками в XIV веке, а к концу XV он превратился в основное направление живописи Японии.

Суйбокуга монохромна. Она характеризуется использованием черной туши (суми), твердой формы древесного угля или производимой из сажи китайской туши, которая растирается в тушечнице, разбавляется водой и наносится кистью на бумагу или шелк. Но даже тушь позволяла использовать многочисленные градации серого для создания объемности, богатства произведения, его глубины и многоплановости.

Суйбокуга иногда допускает использование настоящих цветов, но только в качестве дополнительных – тонких и прозрачных – мазков, которые всегда остаются подчиненными основной линии, исполненной тушью.

Среди первых дзэнских монахов, работавших в жанре суйбокуга, известны Као Нинга и Мокуан Рэйэн. Мастер живописи тушью Сюбун, живший в XV в., был связан с художественной академией при храме Сёкокудзи в Киото. Его последователь Сэссю Тоё оставил после себя значительное художественное наследие. Знаменит его "Ландшафт Хабоку", созданный в стиле «разбрызгивание туши».

Вообще ландшафт был важным объектом живописи тушью. Ранние ландшафтные картины японских художников часто изображали фантастично громоздящие горные вершины и глубокие ущелья, явно копирующие китайскую ландшафтную живопись и не имеющие ничего общего с местной топографией. Со временем японцы стали внимательнее относиться к окружающей их природе, картины стали более естественными.

Исполнялись тушью и портреты. Например, известны изображения дзэнских патриархов и таинственных личностей, принадлежавших кисти Кандзан и Дзиттоку. Более широкая категория дзэнской монохромной портретной живописи охватывает своими рамками животных и птиц.

В конце эпохи Муромати наблюдалась постепенное отделение суйбокуга от дзэн-буддизма. Начало этому положили работы художников школы Ами - Ноами, Гэйами и Соами, прикомандированных к двору сёгуна. Наибольшего своего развития эта тенденция достиглав начале эпохи Эдо (1600 - 1868). Живопись тушью продолжала развиваться на протяжении всей этой эпохи. В это время стали известны такие мастера, как Ёса Бусон и Урагами Гёкудо. После 1868 года традиции суйбокуга следовали Ёкояма Тайкан, Хисида Сюнсо и Симомура Кандзан.
art.1001chudo.ru/japan_295.html

www.guate-color.com/galleries/Gallery7.htm

www.angelfire.com/il/SumieSociety/gallry.html

dao69.livejournal.com/15001.html

@темы: Искусство Японии

юми

главная